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父・バルトーク 〜息子による大作曲家の思い出

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ショルティの《カンタータ・プロファーナ》

さて、今日もバルトーク。昨日聞いた《カンタータ・プロファーナ》をショルティ盤で聴いてみました。
* テノール　タマス・ダラクジー
* バリトン　アレクサンドル・アガシュ
* ハンガリー放送合唱団
* ブダペスト祝祭管弦楽団
* 指揮者　サー・ゲオルグ・ショルティ
1997年6月にブダペストで録音された、ショルティ最後の録音です。
ブーレーズ盤よりもまとまりがあって、私的には好感度は高いです。音価の拡大解釈によるもたり感などは、ショルティですのでそうそうなく、さらにいうと堅実に作られたものと思います。80歳過ぎた最晩年の演奏で、使い古された言葉で言うと「円熟の」ということになるのでしょう。それぐらい安定した演奏だと思います。
それから、譜面まで確認できていませんが、テノールの高音域で難しい曲だと思います。今まで聞いた3バージョンとも、苦労して歌っているのを感じます。

家に帰ることができたショルティ

感動的な逸話を見つけました。
ショルティは格別の思いをこの《カンタータ・プロファーナ》に持っていたようです。ショルティはハンガリーを離れ海外で活躍した指揮者です。つまり、家を離れて森のなかで生きたわけで、ショルティ・ギエルジィからサー・ゲオルグ・ショルティとなったわけです。《カンタータ・プロファーナ》のなかで人間から鹿へと姿を変わってしまった9人の息子たちと同じ境遇です。
ですが、最晩年に故郷の村を訪れました。つまり、《カンタータ・プロファーナ》の鹿が出来なかった、自分の家への帰還を果たしたということになります。これができるようになったのは、政治体制の変革といった外的要因もあるでしょうし、ショルティの内面の変化などもあったのかもしれません。
鹿が家に帰れなかったのは、角が大きすぎて戸口から入れなかったからです。ですが、ショルティの家は、その大きすぎる角が通れるぐらいに戸口が大きくなった、ということになるのでしょう。
これは、ショルティが最後の録音に際して語った内容です。以下のサイトで紹介されていました。ちょっと感動する話です。
http://www.ne.jp/asahi/mi/mi/hibinokatte-text-99.02.htm
では今日はこの辺りで。日付変わりましたがグーテナハト。

カンタータ・プロファーナを聴く

昨日から聞いているカンタータ・プロファーナ。プロファーナというのは世俗カンタータという意味です。
こんなあらすじの歌詞がついています。

９人兄弟が、森へ狩りに行くが、魔法の橋を渡った途端に鹿に姿を変えられてしまう。息子たちを探しに出かけた父親は、森で出会う鹿を息子たちとは知らずに、弓矢を向ける。だが、鹿は自分たちが鹿に変えられたことを父親に告げる。驚き帰ってきて欲しいと父親は言う。母親も息子たちの分9本のグラスにワインを注いで待っているのだから。だが、息子たちである鹿はこう答える。もはや、角が邪魔をして家に入ることも出来ないし、グラスからワインを飲むことができる姿にはない。ただ、清らかな泉をのむことしかできないのだから。

あらすじは私の超要約です。あしからず。。
いろいろ解釈はあるようです。例えば、これは自然回帰を象徴している、であるとか、逆に、帰るところに帰れない状況を現しているとか。返信の不条理感でいうと、カフカ的でもありますが、むしろ不条理というより前向きさを感じるかもしれません。悪い変化の肯定的受容という意味では「砂の女」的かもしれない。
これも「父・バルトーク」を読んでから感じたことですが、バルトークの一つにテーマが自然回帰なんでしょうね。物質主義的資本主義を嫌悪していて、大量生産品ではなく手作りの家具を愛したり、アルプスの自然を愛したりと、エコロジスト的側面を持っています。また、民謡収集で地方を回った経験なども影響しているのでしょう。
多分、鹿のように自由に自然を謳歌したかったのかなあ、などと思います。決して鹿になったことが悲観的に思われていないように思うのです。悲しんでいるのは両親だけ。それは自分たちの子どもを失ったというある種利己的な理由に過ぎません。息子たちは森のなかで、両親とは違う世界で自立したと捉えられるはずです。広大な森で自由に生きる。ある種のユートピアを自然の中に見ていたのではないか、とも思います。
ですが、バルトークは二重三重に意味を重ねている気がします。きっと複層的に重なっているのでしょう。

フレンチク盤について

今日はいつもお世話になっているNMLでのなかから、こちらを聴きました。ヤノーシュ・フレンチクがブダペスト交響楽団を振った演奏。合唱もオケもいい感じ。かなり引き締まりながら、迫力のある演奏です。合唱がよくまとまっていて、パワーや気迫が迫ってくる感じがします。ブダペスト合唱団という団体によるものです。まあ、母国語で歌えるというのが大きなアドバンテージですよね。それは大きいでしょう。それからなにかしらの思い入れのようなものもあるのでしょう。
指揮者のヤノーシュ・フレンチクは、ハンガリーにとどまり指揮活動をしたハンガリー楽壇の巨匠指揮者のようです。恥ずかしいことに最近まで私は存じませんでした。
テノールのヨージェフ・レーティも高音域のピッチが少し気になりますが、ずいぶんのびのび歌っていていい感じでした。この方は、ハンガリーの方です。やはり歌い方が自然な気が。。４８歳という若さでなくなっておられるようです。日本語はもちろん英語のウィキもないので、ドイツ語からなんとなく固有名詞と年代を拾って理解しました。http://de.wikipedia.org/wiki/J%C3%B3zsef_R%C3%A9ti
私は、この曲をながいことブーレーズ盤で聴いていましたが、実際はこのフレンチク盤のほうが好みです。

おわりに

どうも今日は体の調子がおかしいです。昨日、サックス吹いて、オーボエリードをピーピーならしていたから疲れたのかも。まったく。今日は早めに帰宅し、明日の仕事に備えました。
それでは、また明日。グーテナハト。

今日聞いたのもバルトークばかりで、その記事の下にすこしだけオーボエの話を書こうと思いましたが、思った以上に長くなったので独立させます。ほんとすいません。このあと、バルトークについて書きます。日付は変えるかもしれないですけど。

今日の楽器練習

近所のカラオケボックスで45分ほど、少し怪しいAll the things you areをさらうのだけれど、ますますわからなくなった気が。転調におけるキー変更は思い出しましたけれど。もう少しコードを考えないと。昔はなんとなく出来てたのですが。ただ、昔よりキーが変わっても指が回っている気はします。転調してもラクな感じ。それぐらいが収穫です。リードはヘタってだめになりました。

オーボエリード練習状況

その後オーボエリード練習を。昨日の今日なので、よく分からなかったんですが、どうやらピッチの取り方を理解した気がします。シングルリードの常識が全く通じません。先生が言っていた、「息が漏れても音は出るのである！」という境地がやっと理解出来ました。

息を吐く

そして、サックス時代には全く理解できなかった事態に直面しました。なんと、息を吐くのが大変なのです。サックスは息はどんどん出ますので、「息を吐く」という工程はあまり意識しなくても何とかなりましたが、オーボエは息を吐き切ることができません。従って、息継ぎにおいて息を吐くという工程が、息を吸うという工程に加わってきます。やっと先生が「まずは息を吐いて！」という、私には全く予想しなかった指示が分かった次第。息を吐かないと二酸化炭素中毒になります。これを意識しなければならないのは全く想定してませんでした。

ピッチ・コントロールの方法論

あとは、シングルリードだと、ピッチはアンブシェアの圧力と口や喉を広げることでコントロールしていたんですが、ダブルリードは（これ、まだ正しいのかどうか確認してませんが）、唇との圧力もピッチ・コントロールの重要な様相であるということがわかりました。リードを唇に押し付ける圧力が重要ということ。アンブシェアだけでコントロールするわけではないようです。これは私にしてみれば驚天動地です。コペルニクス的転回かも。繰り返しですが、この理解が正しいかどうかはわかりません。本にもあまり書いていないので。逆に言うと当たり前すぎるから書いていないのではないか、とも思っています。

これからは毎日腹筋だ！

あとは腹筋の使い方もサックスに比べるとずいぶんシビアです。サックスだと無意識に出来ていたのかもしれませんが、オーボエは油断もすきもありません。それから、ビブラート。サックスは顎を動かしてアンブシェアを微妙に動かしビブラートを作ることが許されていました。が、オーボエはダメらしいので、腹筋やら気管全体を使ってビブラートをかけます。これがなかなかなれないもんで、腹筋が痙攣するかと思いました。

タンギング

タンギングのコツもわかってきたかも。茂木大輔さんの本を読んで、舌の裏でリードをコントロールするということがわかりました。これは（私の場合）サックスのフラジオ音域でのタンギングのやり方と少し似ています。これできないと、音の入りが汚くなるので、練習しないと、というところです。

おわりに

おかげで、今日はなんとかB音のピッチをとるコツはわかってきました。今日一日で（正しいかどうかはわかりませんが）ずいぶん理解が進みました。楽器なくてもリードだけでずいぶんと楽しい一日でした。
明日は昼休みに近くの運河に言ってピーピーやろうと思います。挙動不審者として捕まらないように気をつけます。はい。
今日は、６時に起きました。休日で６時おきは久々かもしれません。昨日図書館で借りたベームの《フィガロの結婚》を聴いて、フィッシャー＝ディースカウのアルマヴィーヴァ伯爵が素晴らしすぎるのに簡単したり、バルトークに涙したり。午後は、スタバで本職に邁進しまいた。２時間ほどでしたが、ずいぶん形ができてきたかも。スピード感が必要なのですが。今週から週末にかけてが勝負。
それではみなさま、グーテナハト。

妄想のオーボエシリーズ。そろそろ妄想が現実になり初めました。
今日は初のオーボエレッスンでした。すでにTweetしてますが、これまた大変スリリングな一時間でした。

やはり習わないとだめだ。

っつうか、やはりこれは習わないとダメですわ。我流だといつまでたってもうまくならないはず。というのも、サックスをなまじっか吹けるもんだから、音は出てしまうんですが、間違った音の出し方をしているから。これをオーボエ用にアレンジするのは一人では難しいでしょう。サックスでの成功（？）体験が邪魔をするはずなんです。きっと。

息の出し方

私のサックスも我流独学なんで怪しいもんですが、とにかくブワーッと、吹いてしまうわけです。とにかく吹き切れ、と。ですが、オーボエはそれじゃダメみたいです。そうすると音が割れてしまいオーボエ的な美しい音は出ません（そうじゃなくても今の私には出ないんだけど）。そうじゃなくて、もっと力を抜くみたいです。
驚きだったのはアンブシェアから息がもれても大丈夫だ、ということ。これは私の常識ではなかったですね。どうも、ただアンブシェアの圧力でコントロールするのは変わりませんが、コントロールの仕方がどうやら違うようです。
ただ、右手と唇だけで楽器を支えることを学んでからは、なんとなく楽器の位置や持ち方分かった気がします。

運指

あとは、フィンガリング。これはきっと慣れれば分かるはずなんですが、左手の中指と薬指の距離が離れていますね。サックスは新しい楽器なんで均等ですが、オーボエはそういうわけではないようです。
フィンガリングはEWIで予習してましたが、いかんせん指の位置に慣れていませんので、どうにもこうにも巧く行きません。
結局、音階練習にすら達しませんでした。。

結論

いや、これは楽器がないときついです。EWIだけでは、なんとなくのフィンガリングの練習にはなるけれど、音は当然ケアできないですし、フィンガリングもちゃんと練習できているわけではないです。まあ、当然なんですが。。
あと、面白かったのは、私の吹き方はジャズの吹き方の典型みたいです。先生は昔プロのジャズサックス奏者にオーボエを教えたことがあるそうなんですが、私と同じようにふいていたらしいです。というわけなんで、まあ安心しました。

その他もろもろ

最近仕事が忙しいらしく＆宵っ張りになっていて、今朝は寝坊をしてしまいました。まあ休みなんでいいんですが。午前中の日差しを浴びないとなんだか罪悪感です。明日は早起きをしたいところですが、どうなることやら。
では、グーテナハト。

はじめに

今日は、早帰りをあえてして、新国立劇場で「バレエ・リュス　ストラヴィンスキー・イブニング」を見てきました。
ストラヴィンスキーの《火の鳥》、《アポロ》、《結婚》の三演目。３時間たっぷりかかりました。

実はストラヴィンスキーは普段はあまり聞きません。理由はわかりません。特に苦手意識もないのですけれど。もちろん三大バレエは知っています。ですので、今回はとてもいい勉強なりました。

演目の感想

《火の鳥》、初めて見ましたが、意外にオーソドックスなんですね。もっと過激なものをイメージしていました。というのも、バルトークの《中国の不思議な役人》ばかり聴いていたので。あれぐらい激しくないともうダメかも。なんちゃって。でもほんといい曲です。
《アポロ》（あるいは《ミューズを率いるアポロ》）は、《プルチネッラ》のような新古典主義。均衡と崩壊の間を縫うように進んでいくのがスリリングでした。だまし絵のような感じです。試作、演劇、舞踏を司る三人のミューズが象徴的に振り付けられていて、解釈が楽しかったです。
それにしてもバレエダンサーの筋力体力は想像を絶しましね。あの動きをして息を乱さないなんて。バレエはあまり見ないので、そんなことが気になります。
《結婚》は、《春の祭典》といった原始主義の系統でした。ですが、オケは使いません。ピアノ四台、打楽器、合唱からなるアンサンブルという特異な編成で、不思議なサウンドでした。やっぱり若い頃のストラヴィンスキーは本当にぶっ飛んでたんですね。それにしても、きっと実演に触れることは難しいはずです。

《結婚》関連について少し考えてみる。

ちなみに、ダンサーたちがあまりに無表情に踊っていたのが象徴的でした。ロボットのように踊っているのですから。
で、ここは少し考えてみました。
この《結婚》はロシアにおける結婚儀礼がテーマなのですが、その儀礼が持つ形式性を象徴しているのかもしれません。あるいは、そうした儀礼がある種の自然力として人間を抑圧しているとかもしれません。というのも、結婚前の娘は挽歌を歌うというのですから。嫁入りというのは、未知の世界へいくということ。それまでの娘時代から、一度死ぬのと同じぐらいの断絶で、悲しみを伴うものだったようです。思い通りの結婚なんてできるわけもなく、であるからしてあたかもロボットのように振る舞わないとみんなやっていられない、そういうことを象徴しているように思いました。
やはりバレエが主なので、テンポは動かせないのですね。ダイナミズムもあまりつけないように思います。当たり前ですが、それが何か新鮮でした。
今日、バルトークの弦楽四重奏曲全集が届きました。いや、これも凄いっすよ。また勉強を始めないと。
では、みなさま、グーテナハト。

ラモーの《優雅なインドの国々》の最終幕とアンコールと思われる映像。ウィリアム・クリスティ指揮ですね。この強力無比なパトリシア・プティボン。
アンコールのところ、ほんと、心洗われます。こういうふうに盛り上がれるのは幸せだとおもいますよ。
今週は明日で終わり。音楽聴きに行きたいけれど、どうでしょうか？
ではグーテナハト。

某原稿の校正をしました。何とか完了。日付切り替え後ですが、この記事は日付内に補正します。すいません。

自分の原稿の校正をきちんと出来るということは、ある意味多重人格者ということなのではないか、と思います。あるいは、記憶を断絶できる、ということですかね。まあ、自分の原稿の校正を行うことが論理的に不可能だからこそ、校正者がいるのだと思いますが。と日々悶々と過ごしています。
やっと、バルトークのヴァイオリン協奏曲がちゃんと染みこんできました。第一番の美しさは格別。こちらもちゃんと研究を進めないと。
ではまた明日。グーテナハト。

短いエントリー。毎日バルトークばかり。困ったもんです。

今日のバルトークの言葉

バルトークは、ヨーロッパにおけるナチスドイツの台頭に聴きを抱き、1940年にアメリカに亡命します。ですが、バルトークは、経済的な問題を抱えてしまったのです。印税はイギリスとアメリカで二重課税され、ほとんどが税務当局に吸い上げられました。白血病にかかり、ピアニストとしての活動も行えませんでした。
第一次世界大戦は金を蓄えることの無意味さを教えてくれた。第二次世界大戦は何も蓄えるべきでないと教えてくれた。つまり、日々生きるのに必要以上に働く価値はないということだ。
せっかく収集した資料が戦争で破壊されたり、貨幣価値が下落したり。二つの大戦はそうした価値の破壊をもたらしたのです。
今日の世界においても同じなのではないか、という澱んだ不安に苛まれました。

今日のバルトークの音楽

今日もヴァイオリン協奏曲。シュテフィ・ゲイエルという女性ヴァイオリニストに献呈されたそうですが、生前はその存在を隠していたようです。ゲイエルの死に際して、パウル・ザッハーに遺贈されたそうで、パウル・ザッハーによって初演されたそうです。
パウル・ザッハーは、バルトークとも親しかった指揮者です。製薬会社令嬢と結婚したことで大金持ちとなり、その資産を活かして音楽家への援助をしました。現在もパウル・ザッハー財団というものが有ります。バルトークもパウル・ザッハーからの委嘱をうけて「弦楽器と打楽器とチェレスタのための音楽」を作曲しています。
今日は、ショルティ＆チョン・キョンファの音源ばかり聴いていました。これはこれで素晴らしいですが、少し硬さがあるかも。

帰宅してからギーレンが南西ドイツ放送交響楽団指揮し、クリスティアン・オステルタークと録音している盤をNMLで見つけました。この音源の叙情性はショルティ盤を上回ります。これは、相当にドライな甘さです。

では、これから楽器練習します。みなさま、グーテナハト。

「父バルトーク」の映画化

昨日、「父・バルトーク」を映画化するべき、と書きました。

きっと単館系。もしかしたらあえてモノクロ映画に仕立てられたりして。ニューヨークはモノクロなんだが、バルトークの回想に現れるブダペストの風景だけカラーみたいな。《タンゴ・レッスン》とか《オズの魔法使い》あるいは、《バンカー・パレス・ホテル》みたいな。浅はかですいません。でもだれか撮らないかな。

吉松さんがとらえるバルトーク

いや、でも同じこと考えている人はいるはず、と思い、ググってみると、いらっしゃいました。
その方は畏れ多くも。作曲家の吉松隆さんでした。
“http://homepage3.nifty.com/t-yoshimatsu/~data/BOOKS/Thesis/bartok01.html":http://homepage3.nifty.com/t-yoshimatsu/~data/BOOKS/Thesis/bartok01.html
このバルトーク論では、様々な諸相からバルトークを解釈していて、視界が開けた感覚です。
特に、リズムのストラヴィンスキー、無調のシェーンベルク、和声のドビュッシーのいずれもを取り入れていたという解釈は素晴らしくわかりやすかったです。
バルトークのわかりにくさというものは、つかみ所のなく、聴き手をどんどん先回りしているような感覚があります。あ、こういう曲なのか、と掴みかけたところで、ふっと全く違う曲に変貌してしまうというような。
あるいは、この部分、ベルクだなと思うほどの無調の感覚があると思ったら、ラヴェルのような色彩豊かな和声の世界が広がっている。リズミカルなところは、ストラヴィンスキーにそっくりでいながら、リヒャルト・シュトラウスが聞こえてくる、といった感じです。

もう少し突っ込んでみると。

吉松さんのバルトーク論から、以下の箇所が引用してみます。

根底にあるのは祖国ハンガリーの土着の民族音楽なんですけど、それにＲ＝シュトラウスやドビュッシーの近代和声とストラヴィンスキーの原始主義的リズムの味付けが加わり、さらにシェーンベルクの十二音に対抗するかのような知的作曲法がその上にかぶさってる。

　この、まるっきり異質で本来は混じり合いっこない素材３つに固執した挙げ句の個性こそが、バルトークの面白さであり、わけの分からなさなんですよね。

１つめは、民謡の５音音階と西欧の全音音階を組み合わせた新しい旋法と和声の開発。２つめは東欧の民族音楽の舞曲などから導きだされたリズムの素材化。そして３つめはそれらの素材の黄金分割やフィボナッチ数列などによる数学的処理。

なるほど。たしかに。バルトークのつかみ所のなさはこういう全方位的な、あるいは全てを包括する方法論によるのかもしれない、などと思いました。
この延長で吉松さんは、ストラヴィンスキーはロックに、ドビュッシーはジャズに、シェーンベルクは現代音楽や前衛音楽に、と位置づけてます。吉松さんは「独断」といいますが、私は吉松さんに賛成です。
そういう意味ではバルトークは全てを視野に入れていたということですか。これが本当のフュージョンなのかもしれない、などと思います。

おわりに

というわけで、今日も頭のなかはバルトークのことでいっぱいです。
昔、ベルクの弦楽四重奏だけを一週間ずーっと聴いていたことがありました。今は、それぐらい集中して聞いている感じです。そうするといろいろわかってくるはずです。充実してます。
ではみなさまグーテナハト。

「父・バルトーク」


以前から紹介しているこちらの本。映画化したほうが良いのではないでしょうか。それぐらい美しい父と子の物語です。
この本では、バルトークの写真が多数紹介されています。私はその写真群に目を奪われてしまいました。そのどれもが笑っていません。その点についてもすこし言及されています。バルトークは愛想よく笑ったりするようなことはなかったそうです。愛想笑いといった不誠実なことはしたくなかったということのようです。ですがそれ意外にも理由があるのではないか、と感じています。
また、愛想のない顔つきでありながら、その眼差しの中になにかしらのシニカルな目線を感じます。世界を斜めから見つめ、本質を見出そうとし、あるいは世界の虚飾を見破り、笑い飛ばしているかのように見えます。
この本の表紙でも、幼い息子を真剣に見つめる姿を見ることができます。これが本気なのかユーモアなのか。
＝＝＝＝
さてと。明日からはまた社会復帰をしなければ。
それではグーテナハト。